Joe Satriani

Joe Satriani

如果要寻找一位真正把“电吉他器乐”带进更广泛摇滚听众视野的人，Joe Satriani 很难绕开。

1980 年代，当高速演奏、重型失真和更加复杂的吉他技术迅速发展时，Satriani 同样拥有极强的技术能力，却没有把音乐建立在单纯的技巧展示上。他更在意一首没有人声的作品怎样拥有清楚的主题、怎样发展情绪，以及吉他怎样承担原本可能由歌手完成的旋律角色。

《Surfing with the Alien》让这种方向真正被更多人听见。很多作品拥有复杂的演奏技巧，但即使完全不知道里面用了什么技术，主旋律依然很容易留下印象。这种“先让音乐成立，再让技术服务音乐”的方式，也逐渐成为 Satriani 此后创作中非常稳定的一条主线。

对于吉他手来说，他的吸引力也恰恰来自这里。

你可以从他的作品里找到连奏、点弦、摇把、泛音、速弹和大量不同的演奏方法，但继续听下去会发现，这些东西很少孤立存在。技术通常被放进旋律、节奏和作品结构之中，最终服务于某一种明确的声音或情绪。

这也是为什么 Satriani 的音乐跨越几十年之后，依然不只是“技术吉他”时代留下来的历史样本。他建立的是一种非常完整的器乐摇滚语言。

旋律始终在前面

Joe Satriani 最容易被忽略的能力之一，是他对于旋律的重视。

很多器乐作品的问题在于，失去人声以后，吉他很容易变成连续不断的演奏展示。Satriani 很早就意识到，如果吉他要真正成为作品的主角，它必须具备类似人声的功能：主题要能够被记住，乐句需要有呼吸，旋律还要随着音乐逐渐发展。

因此，他的很多代表作品都拥有非常明确的主题。

《Always with Me, Always with You》并不需要大量音符就能建立情绪；《Flying in a Blue Dream》用一个极具辨识度的声音和旋律迅速确定整首作品的气质；《Summer Song》则几乎拥有传统摇滚歌曲般直接的推动力。到了《The Extremist》《Cryin'》以及后来许多作品中，这种旋律意识依然存在。

对于学习吉他的人来说，这一点甚至比某一个具体技巧更值得注意。

一段独奏当然可以包含复杂的技术，但如果听众最后记不住任何一句旋律，那么技巧本身很难让作品真正留下来。Satriani 的很多音乐恰好展示了另一种可能：技术可以非常复杂，但听起来依然可以直接、清楚，甚至很容易被哼唱出来。

技术是声音的一部分

Satriani 的技术体系非常丰富，但他使用技巧的方式往往和“声音”紧密联系。

连奏可以让长句变得更加平滑；点弦可以扩展传统左手无法轻易完成的音程和排列；摇把既可以制造极端的音高变化，也可以像人声一样细微地改变一个音的表情；人工泛音、自然泛音和各种非常规触弦，则进一步扩大了电吉他本身能够产生的声音范围。

这些技巧并不是为了把一首歌变得更难。

很多时候，他是在寻找一个具体的声音，然后再决定用什么方法得到它。

这也是 Satriani 与很多纯粹强调技术难度的吉他手之间很重要的区别。一项技巧进入他的音乐以后，通常会迅速变成某种表达工具。听众可能根本不知道那个声音是怎样产生的，但依然能够感受到它带来的变化。

从这个角度看，学习 Satriani 最有价值的问题并不是：

“这一段用了什么技巧？”

而是：

“为什么这里需要这个声音？”

当技术和音乐之间建立起这种关系之后，速度、连奏、摇把和各种特殊演奏方式才真正开始具有意义。

电吉他的想象力

如果说旋律让 Joe Satriani 的音乐具有可听性，那么对声音的想象，则让他的作品长期保持变化。

他并没有把自己固定在一种经典吉他音色中。

高增益主音当然是 Satriani 最容易辨认的一面，但在不同作品和不同阶段里，可以听到清音、轻度过载、极端效果、电子声音、合成器式质感以及各种经过处理的吉他。即使使用相似的演奏方法，他也经常通过声音变化重新定义乐句的感觉。

这种探索在一些作品里尤其明显。

有时他会让吉他保持非常直接的摇滚声音，让旋律和演奏本身成为重点；有时又会明显进入更加实验的方向，把效果处理、电子节奏和不同的声音纹理放到音乐前面。到了不同阶段，这些元素又会重新组合，而不是简单重复某一张经典唱片的公式。

Satriani 对设备的兴趣也始终服务于这种思路。

吉他、放大器、效果器和录音技术并不是独立于音乐之外的器材话题，而是帮助他寻找新声音的工具。对于电吉他来说，这一点尤其重要：它不仅是一件可以把音弹准的乐器，也是一套可以不断重新塑造的声音系统。

因此，Satriani 的作品最值得研究的地方就是：

为什么吉他会发出这样的声音，以及这种声音为什么适合这段音乐。

从吉他英雄到持续创作

Joe Satriani 的音乐生涯跨越了器乐摇滚变化非常剧烈的几个阶段。

1980 年代，他凭借《Surfing with the Alien》等作品建立起鲜明的个人身份；随后不断在旋律型器乐摇滚、硬摇滚、布鲁斯语言和更实验的声音之间移动。进入新的制作环境以后，他也没有把自己固定在某一种年代感里，而是持续尝试新的设备、录音方式和声音设计。

这种持续变化很重要。

很多以技术闻名的吉他手最终容易被某一个时期代表，但 Satriani 的作品并不只是重复“高速器乐摇滚”的既有模式。他当然拥有非常稳定的个人语言，但具体声音、编曲和创作方向一直在发生变化。

与此同时，他对后来的吉他文化也产生了很深的影响。Steve Vai 等吉他手与他的早期教学关系，以及后来 G3 这样的演出形式，都让 Satriani 不只是一个拥有大量个人作品的音乐家，也成为现代电吉他文化中一个非常重要的连接点。

为什么 Joe Satriani 值得每一位吉他手学习

学习 Joe Satriani 很容易从技术开始。

一段快速连奏、一组点弦、一种摇把效果，或者某个特殊的泛音，都可能成为模仿他的第一个入口。但真正继续听下去之后，会发现这些技术始终围绕着几个更基础的问题展开：

旋律是否清楚？

一个声音为什么要出现在这里？

一段 Solo 怎样推动整首作品？

没有人声的时候，吉他怎样承担叙事？

Satriani 的作品给出的答案并不是“弹得更多”，而是不断寻找更适合音乐的表达方式。有些时候答案是一段极其简单的旋律，有些时候则需要很复杂的技巧；有时是一把直接的高增益电吉他，有时又可能是一种几乎听不出传统吉他形态的声音。

这也是“电吉他的想象力”真正值得放进他标题里的原因。

在 Joe Satriani 的音乐里，电吉他从来不只是一个演奏 Solo 的工具。它可以唱歌，可以制造节奏，可以形成声音景观，也可以成为一首器乐作品完整的叙事中心。

主要作品

录音室专辑

1986｜Not of This Earth

1987｜Surfing with the Alien

1989｜Flying in a Blue Dream

1992｜The Extremist

1993｜Time Machine

1995｜Joe Satriani

1998｜Crystal Planet

2000｜Engines of Creation

2002｜Strange Beautiful Music

2004｜Is There Love in Space?

2006｜Super Colossal

2008｜Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock

2010｜Black Swans and Wormhole Wizards

2013｜Unstoppable Momentum

2015｜Shockwave Supernova

2018｜What Happens Next

2020｜Shapeshifting

2022｜The Elephants of Mars

现场与影像

2001｜Live in San Francisco

2006｜Satriani Live！

2010｜Live in Paris - I Just Wanna Rock

2012｜Satchurated - Live in Montreal