合唱（Chorus）、移相（Phaser）、镶边（Flanger）和颤音（Tremolo）统称为调制类效果（Modulation）。这类效果的共同点在于：它们通过对音频波形进行叠加和变形，来控制波形之间的相互作用。

这些效果所制造的声音往往容易混淆。人们常用一些形容词来描述它们，比如“宽广”、“水波荡漾”或“旋涡感”，因为它们对音色的周期性波动，听起来就像水面上的油脂在阳光照射下那样闪烁不定。

移相（Phaser）

本章中首先出现的调制效果是移相器（Phaser），也叫相位移位器（Phase-Shifter）。和延迟（Delay）一样，移相效果最初诞生于录音棚中的实验室探索，远早于紧凑型吉他效果器的问世。

移相器的原理是将干声（未处理信号）一分为二，其中一路通过全通滤波器（All-Pass Filter），这种滤波器不会延迟音频信号，而是对特定频率的相位进行倒置，即改变波形在其震荡周期中的位置。

单独听相位变化时，人耳几乎无法察觉。但当调制后的信号与原始信号重新混合时，那些“反相”频率会相互抵消，从而削弱整体振幅，在频谱中形成一个“波谷”。这个波谷会在整个频率范围内上下扫动，扫动的速率由一个低频振荡器（LFO, Low Frequency Oscillator）控制。

移相器通常会串联多个滤波器（称为“阶段/Stage”），每个阶段作用于不同的频率，阶段数越多，效果越深邃、越复杂。

在本书所有的示例中，我使用了 KMA Machines 出品的一款出色的 4 阶段模拟移相器，名字令人不安，它叫做 Astrospurt（译注：Astro没问题，代表了太空；关键是这个Spurt，液体的喷射，你懂的#￥%，很少人敢在产品名称上用这个词，确实，相当“摇滚”）。它不仅可以制造出一些疯狂的反馈效果，也是一款非常实用、经典的移相器。

移相器上最常见的几个控制旋钮包括：

RATE（速率）：几乎所有移相器都配有这个旋钮。在 MXR（Dunlop）标志性的 Phase 90 上，它甚至是唯一的控制。它控制扫频效果的速度，从技术上讲，是控制驱动全通滤波器的低频振荡器的频率。
DEPTH（深度）：控制频谱中波谷的深浅。混入更多反相信号，破坏性干涉增强，波谷效果更明显。当干湿信号各占 50% 时，移相效果最强烈。
RESONANCE（共振）：控制调制后的信号有多少会被送回移相通道再次处理。反馈量越大，音色对比越强烈。
SHAPE/STEP（波形/步进）：这种控制较少见于紧凑型效果器。它能改变低频振荡器的波形，从而产生不同的扫频方式。例如“步进移相器（Step Phaser）”使用方波低频振荡器，使扫频在频谱中突然跳跃，而非平滑滑动。

示例 3a 向 Pink Floyd 的 David Gilmour 在迷幻段落中的和弦演奏致敬。移相效果在 Clean 音色下表现得尤为明显和戏剧化。此处是一个空间感十足的分解和弦，移相器设为缓慢调制，深度较大。

David Gilmour 在《Shine On You Crazy Diamond》中的原始音色实际上来自于一种叫做 Univibe 的效果器，那是一种诞生于六十年代的经典“伪移相器”，Jimi Hendrix、Robin Trower 和 David Gilmour 都曾使用。但我们用现代移相器也能营造出相当可信的替代音色。

Example 3a

接下来，我们将时间从七十年代推进到八十年代初，带来一个受 Van Halen 启发的 Riff。Eddie Van Halen 使移相器广为流行，相当一部分原因也在于MXR 的 Phase 90 移相器。要精准还原他的音色，建议使用有力的混合拨弦，以获得具有打击感的音头和强劲、清脆的声音。

四小节的前奏部分则使用了一个速率非常慢的镶边（Flanger），来呈现 Van Halen 另一种经典的音色质感。

Example 3b

最后，尽管前文提到移相效果器在 Clean 音色上效果最佳，但自己动手探索各种音色变化也同样重要。以下就是将移相器应用于厚重的失真 Riff 时的声音效果。如果相位深度设得太高，整个“声音墙”中会开始出现“裂缝”，因此应将深度设置得较浅、速率较慢。这样可以在本已复杂的段落中，适当地加入一丝珠光般的光泽感。

整个例子中要保持交替拨弦。此段演奏技巧性较高，建议一小节一小节地拆分练习。第二小节中使用中指按住高音C音，其余部分遵循“一品一指”的原则，直到第四小节进行短暂换把，这是最合理的位置转换方式。

Example 3c

镶边（Flanger）

镶边效果器（Flanger）与移相器（Phaser）类似，但其扫频效果更加明显，常被形容为喷气式飞机掠过的“呼啸声”。之所以更为夸张，是因为镶边处理的是整个吉他信号，而不仅仅是某些特定频段。

与移相器一样，镶边也会将吉他信号一分为二。不同的是，它不会进行相位翻转，而是将其中一路略微延迟，大约10毫秒。这个延迟时间太短，不足以被听作明显的延迟效果，但这样的时间差仍会引起相位抵消。而这种喷气式飞行的扫频声音，正是由于湿声信号的延迟时间不断拉长又缩短所产生的效果，其速率（Rate）和深度（Depth）同样由低频振荡器（LFO）控制。

抛开原理不谈，区分移相器与镶边器的最好方法其实就是——并排听一听，仔细感受两者各自独特的音色特征。

“Flanger” 这个名称来源于早期开盘录音机磁带卷盘的边缘（flange），正是通过这个方式，工程师们最早创造出了这一效果。他们会让两台录音机同时播放同一段音频，并人为推动或减缓其中一台的磁带卷盘，制造细微的延迟差，从而实现相位偏移的声音效果。你可以在 The Small Faces 的《Itchycoo Park》或 Jimi Hendrix 的《Bold as Love》结尾中听到这种录音棚镶边的典型声音。

需要注意的是，镶边效果器只能部分还原这种录音带制造的老式镶边声效。由于效果器是实时作用的，它不可能像磁带那样提前播放湿声（因为它并不能“预知未来”）。

RATE（速率）：控制的是扫频速度，也就是湿声信号在最短与最长延迟时间之间变化的快慢；
DEPTH（深度）：最大延迟时间。延迟越长，两路信号之间的相位差就越大，因此会抵消更多频率成分，产生更强烈的音色起伏感；
LEVEL（音量混合比）：不像前两个参数那样常见，但它用来调节干信号与湿信号的相对音量比例。通常采用 50:50 的混合。如果只听到干声或湿声任何一方，效果基本就听不出来了。
RESONANCE（共鸣）是一个反馈回路，用来将部分湿声信号再次送入效果器中重复处理，从而制造出更为浓烈的镶边效果。

在本段落的开头，我们以一段典型的八十年代的节奏吉他 Riff 来呈现镶边的声音效果。这个吉他部分即使没有加效果，也足以独立成段地在歌曲中使用，但镶边能为它增加一层额外的趣味性，特别适合用在第二段主歌等需要变化的地方。

将镶边的速率（Rate）设为中等偏慢，音量混合（Level）设为偏低。你不希望“呼啸”的扫频感掩盖了拨弦的清晰颗粒感，所以建议你一开始将效果量设为 0，然后逐渐提升，直到它恰好能被听见、但又不过分突出为止。

Example 3d

大多数镶边效果器并不具备 Tap Tempo（点按节奏）功能，但考虑到其扫频速度可以设置得非常缓慢，有时我们可能会希望将滤波器的振荡速率与乐曲的节奏同步。

在第二个示例中，每小节仅演奏一个持续响起的和弦，并精确调节了镶边器的速率（Rate）旋钮，使得扫频方向在每小节开始时发生反转，从而实现与节奏的自然同步。

Example 3e

示例 3f 展示了在 Drop D 调弦下，将镶边效果应用于一个重型 Riff 上的方式。明显的镶边效果会削弱吉他的音色厚度，因为部分频率因相位抵消而丢失。因此，它非常适合作为 Intro 或 Bridge 部分的音色处理，在进入全乐队合奏之前制造对比。

你可以尝试使用效果器上的混音旋钮（Mix，如果有的话）来调节强度，或者将信号分流，只将一部分声音送入镶边器，以达到更细腻、不过度削弱音色主体的效果。

Example 3f

合唱（Chorus）

没有什么比清亮的合唱吉他声更能唤起八十年代流行摇滚的氛围了。尽管这种效果曾被滥用，但合唱（Chorus）效果仍能为你的吉他音色增添深度与色彩，而且相比前面我们提到的两种调制效果，它的表现更加细腻、克制。

当乐器或人声试图精确地齐奏或齐唱时，总会出现些微的音准和时值差异，这种自然现象反而能让整体声音听起来更饱满厚实。合唱效果正是通过延迟并微调信号的音高，模拟出这种人耳熟悉的“合奏”质感：将信号稍快或稍慢地回放。

它的延迟时间比镶边（Flanger）更长，但仍短于人耳能分辨为两个独立声音的阈值（大约 30 毫秒）。播放速度的改变会影响音高——减慢波形会拉低音高（就像把33转的黑胶放在45转下播放），而加快播放则会升高音高（不要在家乱玩唱机，朋友们！）

为了避免声音听起来总是走调或飘忽不定，合唱效果器通过低频振荡器（LFO）来不断调制延迟时间和音高偏移量，从而维持湿信号与原声之间的自然浮动感。

实际上，12弦吉他或原声钢琴本身就具备天然的合唱效果，因为每对琴弦之间总会存在微妙的音高差异。

第一款独立合唱效果器是 Roland于1976年推出的CE-1。这款硕大的效果器取自Roland当时大受欢迎的 Jazz-Chorus 120 放大器内建的效果。JC-120放大器至今依然是晶莹剔透的晶体管音色代表，尤其受到金属乐手喜爱，用于 Clean 音色部分。

虽然相位（Phaser）、镶边（Flanger）与合唱（Chorus）效果的旋钮命名通常一致，但它们每一种效果下的参数实际控制的内容都不同：

RATE：控制湿信号从“与原音一致”到“最失准”之间摆动的速度。实质上是 LFO的频率。
DEPTH：设置最大音高偏移量，即 LFO 波形的振幅。
MIX：调整原声与湿信号的混合比例。混得越多，合唱效果越明显。

说到合唱效果的使用，就必须从那群蓝衣男孩（The Police乐队）说起。以下是一个经典的 Andy Summers（The Police乐队吉他手）风格片段。尽可能让和弦自然延音，同时略加手掌闷音，但保持清晰有力的拨弦轮廓。Andy Summers 初期使用 Roland CE-1，后来转用更便携的 BOSS CH-1。

范例的后半段则展示了合唱效果在和弦中的表现。这些 7 和 9 和弦的延伸指法也透露出 Summers 的爵士乐气质。加上旋转起伏的合唱效果，音色中带有浓厚的融合爵士（Fusion）气息。

Example 3g

BOSS 的合唱效果器就像 JC-120 放大器一样，拥有极高的清晰度与精准度；但如果你想要一种更粗粝、更脏的音色，Electro-Harmonix 的 Small Clone 等模拟合唱效果器则能提供更厚实的音质。接下来的这个 Riff，单线圈拾音器加上 Small Clone，直接把我们带回了九十年代的西雅图。

Example 3h

一些金属吉他手会在节奏音色中加入合唱效果。合唱能够拓宽音场、加厚音色，就像在录音室中音轨多次叠加所产生的效果一样。它最适合用于厚重有力的 Riff，而不是那些快速复杂的段落。

在演奏泛音时，要小心闷住不用的弦，否则泛音的纯净感和与低音的对比就会被破坏。

Example 3i

90年代的新金属（Nu-metal）将另类摇滚与金属融合，并加入了嘻哈元素，其中电子音乐的影响带来了有趣的音色质感，而非复杂的吉他演奏。在本例中，合唱效果的深度和速率被调至最大，这种更强烈的失调感和快速的振荡营造出一种异世界般的音效。

这种效果带来的不是空灵，而是更加令人不安的声音，你会在KoRn等乐队的作品中听到很多奇异的调制效果，用来增强其音乐中阴暗、混沌的氛围。

本例录制时使用的是 Earthquaker Devices 家的“Sea Machine”合唱，该效果器的额外参数——Shape（波形）、Dimension（空间感）和 Animate（动态变化）进一步加强了这种效果， Davy Jones（传说中的海底幽灵）听了都会被吓得脸色苍白。

Example 3j

颤音（Tremolo）

前三种调制效果（移相器、镶边器和合唱器）基本都通过相似的处理方式实现：将吉他信号分成两个通道，修改其中一个，再混合回一起，从而产生相位干扰。而颤音（Tremolo）的原理则简单得多，它可以通过在按住和弦时快速地开关吉他的音量旋钮来直接演示。

颤音效果器的本质正是如此——一个由低频振荡器（LFO）控制的音量旋钮。

LFO波形的速度和形状决定了音量的淡入淡出方式，从渐进式的音量起伏到完全开与关之间的快速切换。

早在1942年，Big Bill Broonzy 在 Roosevelt Sykes的《You Can’t Do That Do Me》中段的演奏就使用了颤音效果，这是最早的吉他音效之一。最初的颤音设备是一个非常有趣的装置——DeArmond Tremolo，它通过一个“会摇晃的液体容器”来实现音量变化。

此处也想澄清一个误区，这是由 Fender 设备的误标引起的：某些音箱上的“Vibrato”其实是指 Tremolo（音量变化），而非真正的“Vibrato”（音高变化），后者是另一种效果。类似地，Stratocaster 琴型上的“Tremolo Arm（颤音臂）”也应该更准确地称为“Vibrato Arm（颤音臂）”，因为它控制的是音高而非音量。

颤音效果器上最常见的控制参数如下：

RATE：你已经很熟了！颤音是最容易与歌曲节奏同步的调制效果，因此速率通常会标注具体音符时值，并配有点按节拍（Tap Tempo）功能。
DEPTH：非常直观，表示每次音量波动的最小音量。它可以是轻微的音量下降，也可以是完全静音。
SHAPE：与移相器类似，控制的是LFO波形的形状。圆滑的正弦波带来平缓的音量起伏，而陡峭的方波则在最小和最大音量间“跳跃”。

颤音效果曾频繁出现在詹姆斯·邦德（007）系列的电影配乐中，也因此成为大众文化中非常醒目而经典的“特工音色”。下面这个片段中的“007 和弦进行”与增和弦搭配上一点轻微颤音，效果非常典型。

此处颤音的速率（Rate）设置较慢，使每次脉冲能延续数个音符。在演奏复杂段落时不要将 Rate 或 Depth 设得太高，否则会让某些音符几乎完全消失。如同前面例子 3e 中所讲的镶边器一样，使用 LEVEL（电平）控制来调整湿信号的混入比例。

音箱应设为“边缘过载”（清音通道但处于临界状态），也就是说，把 Gain 调高，让大力扫弦时能略微产生失真感。

除了电影原声，英国电子三人组 Portishead 的音乐中也经常能听到这种“特工音色”。

Example 3k

与前面的例子相反，有时彻底切断声音反而正是我们所追求的效果，此时颤音就成为了声音的主要构成元素。在本例中，Depth 被设置为最大值，因此每一个波谷处的音量是完全静音。

接下来的示范中，我使用了一款手工制作的 DLS Effects 立体声颤音效果器（Stereo Tremolo），其设计灵感来自经典的紫色 Dunlop Tremolo。其中的 “Shape（波形）” 控制可以将 LFO 从正弦波切换到方波。本例中选择了“方波”设置，也就意味着音量会几乎瞬间在零与最大值之间切换。

这种类型的颤音常常构成一首歌的主节奏律动。如果颤音速率与歌曲节奏不同步，听起来会非常别扭，也会让演奏变得十分困难，因此这种场景下拥有点按节奏（Tap Tempo）功能是非常重要的。为了获得八分音符的脉冲感，本例中的颤音被设置为比歌曲节奏快一倍的频率。

这一技术的一个很好的例子是 R.E.M. 的《Crush with Eyeliner》，其中颤音吉他部分直接奠定了整首歌的氛围。

如果你使用的是多重效果器，则可以按照“延迟”章节中介绍的计算方法来设定毫秒数，确保颤音速度与拍速精确同步。

Example 3l

在某些情况下，节奏不同步反而是恰到好处的。你甚至可以实时操控效果器，制造出一个加速或减速的颤音脉冲。Radiohead 的《Bones》双吉他前奏部分就采用了两个速度不同的颤音器，随后两者的速率开始逐渐减缓。

有些效果器带有表情踏板输入，可以用脚实时控制参数，否则你就得伸手去调旋钮。幸运的是，这种技术最适合搭配持续音色使用，所以此时你拨弦的右手可以暂时空出来。接下来的示例就是不需要表情踏板也能完成。

在最后一个和弦上，我还使用了深度（Depth）旋钮，让颤音的摆幅变浅，使颤音在减速的过程中逐渐“融化”进延音中，形成自然消退的效果。

Example 3m

Slicer 效果本质上是一种极为激进的颤音效果，其特点是“门控”信号——也就是说，它要么完全放行信号，要么彻底切断信号。该效果的设置与示例 3l 类似，但此处是演奏一连串快速音符，而非持续的和弦。

在这个末世感十足的、不协和的点弦乐句中，Slicer 被设置为以十六分音符的速度脉动，即每拍4下。其结果是每个音符的自然线条被截断，使吉他听起来更像是合成器，或是出现故障的电脑音效。

为了达到最大的冲击力，十六分音符的时值必须精准无误，所以应当先配合节拍器以较慢速度练习此乐句，再逐渐提速。想听听“电脑死机”风格的 Slicer 效果，可以参考 Meshuggah《Future Breed Machine》的吉他Solo部分。

Example 3n

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